Prado de Madrid - 10 œuvres incontournables, horaires, billets et comment y arriver

Le Prado de Madrid est l'un des musées les plus importants du monde, et il vaut la peine d'y consacrer un bon nombre d'heures. De Caravaggio à Goya, de Raphaël à Velasquez, le Prado rassemble l'histoire de l'art européen des cinq derniers siècles. Pour pouvoir le visiter confortablement, il vaut mieux aller au Prado en semaine, vous trouverez moins de monde. Si vous avez beaucoup de sacs avec vous, vous risquez d'attendre un bon moment avant de pouvoir entrer : les casiers ne sont pas très nombreux. Le Prado dispose d'une clinique efficace dans le bâtiment des Jerónimos : garantie pour ceux qui risquent de souffrir de la 'Syndrome de Stendhal'.

1

C'est le portrait anormal de la famille royale réalisé par Velasquez. L'infante Marguerite, qui se trouve au centre du tableau, vous suit du regard peu importe d'où vous l'observez.

En arrière-plan, à gauche, on voit le même Velasquez qui a le regard tourné vers vous. Si vous prêtez attention, dans le miroir derrière le peintre apparaissent le Roi et la Reine en pose. La scène change donc complètement de perspective : les sujets que vous observez, en réalité, regardent le couple royal dont Velasquez est en train de réaliser le portrait.

2

Le tableau de Rogier van der Weyden est la partie centrale d'un triptyque dont les panneaux latéraux ont été perdus.

Le tableau se concentre surtout sur le corps martyrisé du Christ et sur celui de la Vierge étendu. La position des deux corps est très similaire, presque pour symboliser le lien maternel, et pour souligner à quel point la souffrance est très semblable chez les deux sujets. Autour de la scène centrale, figés dans l'immobilité typique de la peinture médiévale, d'autres personnages dont la Madeleine affligée, à droite du tableau, Joseph d'Arimathie et l'apôtre Jean.

3

Guido Trosini, appelé Giovanni da Fiesole lorsqu'il était moine, et mieux connu sous le nom de Béat Angelico, représente dans cette œuvre la Vierge recevant l'archange Gabriel.

Le Béat Angelico a peint plusieurs versions de 'L'Annonciation', en prêtant une grande attention à la symbolique des couleurs. La Vierge, par exemple, porte un manteau bleu, une couleur qui est associée depuis toujours au Divin tandis que, pour l'Ange, il utilise des nuances de rose, pour indiquer l'être qui unit le ciel et la terre. En arrière-plan de la peinture, Adam et Ève, effrayés par ce qui se passe, ont des couleurs plus sombres, soulignant la tache du péché originel qui les accompagnera pour toujours.

4

Bruegel est un artiste très singulier : tandis que ses contemporains s'efforcent d'embellir les églises et les palais nobles, il représente le laid et la déformation, vivant à la campagne.

De plus, Bruegel l'Ancien réalise certaines œuvres avec des scènes épiques, où les personnages ne sont que des particules d'un grand Univers. C'est ainsi dans 'Le Triomphe de la Mort', où des armées de squelettes ravagent un village, sans épargner personne. Peu importe qu'il s'agisse de rois, de prêtres ou de pauvres paysans : leur destin est déjà scellé. Les seuls qui semblent immunisés à la tragédie sont les deux jeunes en bas à droite, qui continuent à s'aimer tendrement.

5

L'œuvre est un triptyque riche en symbolisme, réalisée sur deux volets. Lorsque ceux-ci sont fermés, la surface représente la création du monde, avec l'apparition divine en haut à gauche.

À l'intérieur du volet de gauche, Bosch peint sa vision personnelle du Paradis terrestre, peuplé de créatures vivant pacifiquement entre elles. À l'intérieur du volet de droite, en revanche, est représenté un enfer fantaisiste, où des créatures démoniaques subissent d'horribles sévices. Dans la partie centrale, Bosch peint une sorte de 'terre de milieu' entre l'enfer et le paradis, où tous les vices de l'humanité sont représentés.

6

Le tableau fait partie des œuvres que Michelangelo Merisi, dit 'Caravaggio', réalisa dans les derniers temps de sa vie.

L'habileté de Caravaggio à utiliser la lumière à sa guise dans ses œuvres met en évidence de manière impressionnante l'expression défigurée du géant tombé au combat. Les traits de Goliath sont ceux du peintre lui-même qui, après avoir reçu la condamnation à mort pour l'homicide d'un homme lors d'une dispute, commence à dessiner de manière obsessive des scènes de personnes décapitées avec son visage. Quelqu'un a-t-il le courage de le lui reprocher?

7

La scène représentée par Raphaël fixe un moment extrêmement douloureux de la Via Crucis de Jésus-Christ.

Dans ce tableau, Raphaël arrive à concentrer toutes ses meilleures qualités, utilisant une combinaison spectaculaire de couleurs pour donner un ton encore plus dramatique à la scène du Christ s'effondrant sous le poids de la croix. Le regard de Jésus, tourné vers les femmes qui suivent la procession déchirante (parmi lesquelles se trouve également la Vierge), est chargé d'un sentiment douloureux, tout comme les regards de ses bourreaux, capables de transpercer le spectateur, générant un sentiment injustifié de culpabilité pour le sort du Rédempteur.

8

Goya capture de manière impressionnante l'exécution des insurgés espagnols par l'armée française, survenue en mai 1808.

Le peintre utilise un grand symbolisme dans ce tableau pour exalter de manière spectaculaire les émotions. Le peloton d'exécution est composé d'êtres sans visage, des automates qui exécutent mécaniquement les ordres. En face d'eux, la chaleur et la transfiguration de la mort dans les gestes des insurgés, sur leurs visages on peut lire la peur, la rage et l'angoisse pour la fin imminente. La scène est éclairée par une lanterne, placée entre les militaires et les condamnés, représentant la lumière de l'histoire qui met en évidence la violence de la guerre.

9

La 'Maja' est une femme du peuple et, pour la période à laquelle elle a été réalisée, il était scandaleux qu'elle soit le sujet d'un tableau. De plus, la 'Maja Déshabillée' exhibe ses traits, et on comprend facilement pourquoi l'œuvre de Goya suscita l'intérêt de la Sainte Inquisition.

On dit que la femme du tableau était l'amante de Godoy, Premier ministre espagnol, qui voulut la faire peindre d'abord nue, puis après avoir épousé une autre femme sur ordre du Roi, vêtue. Alors que dans la 'Maja Habillée' Goya renonce à tout effet technique, dans celle 'déshabillée', il utilise de nombreux artifices et joue avec la lumière. N'est-ce qu'un truc pour garder plus longtemps dans son studio une femme sans vêtements?

10

Au Prado, il y a plus de 900 sculptures qui tracent l'histoire de l'art de l'époque classique jusqu'au dix-neuvième siècle.

Beaucoup des sculptures que vous pouvez voir dans cette section du musée sont, bien sûr, des copies des originales, mais il y a aussi des originaux intéressants, comme la tête de Romano Diàdoco, datant de la période grecque. Il y a vraiment tellement d'œuvres qui méritent d'être vues lors de la visite du Prado, parmi lesquelles vous trouverez également d'importantes réalisations d'artistes italiens : de l''Hermaphrodite' que Velazquez a commandé à Bonarelli de Lucques, à la particulière 'Vénus' d'Ammannati.

Horaires d'ouverture :

Du lundi au samedi : 10h00 - 20h00Dimanche et jours fériés : 10h00 - 19h00

Entrée gratuite

Du lundi au samedi : 18h00 - 20h00Dimanche et jours fériés : 17h00 - 19h00Accès au Musée jusqu'à 30 minutes avant la fermeture

Billet plein : Plein 15 €. Réduit 7,50 €

Comment y arriver :

Métro : ligne 2 arrêt Banco de Espagne ou ligne 1 arrêt Atocha.Bus : 9, 10, 14, 19, 27, 34, 37, 45.