Musée Reina-Sofia de Madrid - Œuvres, horaires, billet et comment y arriver

Le Reina Sofia est le musée de Madrid qui regroupe des œuvres d'art du XXe siècle à nos jours. Le bâtiment qui l'accueille a été construit comme hôpital et a été utilisé comme tel jusqu'en 1986, date à laquelle le Centre d'Art Reina Sofia a ouvert ses portes. Le musée accorde une attention particulière aux peintres espagnols comme Dalì, Mirò et Picasso. Ne soyez pas superficiels : ne vous limitez pas à essayer de voir Guernica au-dessus des têtes des cent touristes qui sont arrivés avant vous. Faites un tour dans le musée, qui possède vraiment beaucoup de magnifiques œuvres, et repassez devant le Guernica vers l'heure de fermeture. C'est seulement alors que vous pourrez vraiment apprécier le chef-d'œuvre du Maître.

Picasso réalisa la grande toile en deux mois pour la présenter à l'Exposition Universelle des Arts et Techniques de Paris en 1937.

Le tableau est un manifeste contre les violences de l'armée de Franco durant la guerre civile. Les principaux États européens n'intervinrent pas dans le conflit, et le gouvernement poussa pour amener Picasso à l'Universelle, espérant que grâce à son manifeste, des aides pourraient être obtenues des puissances européennes. Picasso réalisa une œuvre choquante, se remémorant le dévastateur bombardement de Guernica, qu'il peignit sans couleurs pour souligner la dramatisation de la scène et la violence de la guerre.

Dans ce tableau, Dalì y met toutes ses (pas si peu) obsessions, avant tout, comme peut-être l'a suggéré le titre aux plus avisés d'entre vous, celle sexuelle.

Passionné par les théories freudiennes, Dalì les utilise dans une clé surréaliste pour exprimer sa personnalité complexe. Comme dans toutes ses œuvres, rien n'est ce qu'il semble, et l'ambiguïté devient une composante additionnelle de ses tableaux. La grandeur de Dalì, entre autres, réside dans sa capacité à donner un sens harmonieux d'équilibre à la scène irréelle, malgré la grande quantité d'éléments qui en font partie.

Encore une peinture inspirée par la guerre, l'une des trois qui composent la trilogie de Le Corbusier sur la guerre civile à Barcelone. "La caïda de Barcelona" (la chute de Barcelone) date de 1939, et fut peinte après que l'architecte-peintre-urbaniste apprit la nouvelle du bombardement de la "capitale" de la Catalogne durant la guerre civile. Le Corbusier avait visité plusieurs fois Barcelone, lors de ses voyages, et fut impressionné par la violence des troupes de Franco dans la répression des opposants. La représentation de la peur est visible dans l'expression des visages des sujets, et la décomposition des corps imprime clairement le sentiment de destruction, typique de la guerre.

Dalì expérimente la profondeur de l'image, jouant à insérer un tableau dans le tableau...dans le tableau. "Fille à la fenêtre" est une matriochka visuelle : le sujet principal,

Ana Maria, la sœur de Dalì, se dispute votre attention avec le panorama qu'elle observe. Les nuances de bleu de la partie centrale de la toile attirent le regard vers le paysage. Mais si vous regardez bien, dans le battant droit, il y a un reflet du panorama, encadré dans un morceau de fenêtre : voilà le troisième tableau dans la toile. L'œuvre, étrangement pour la production de Dalì, n'a aucun renvoi sexuel...du moins, c'est ce qu'il semble.

"Tertulia" en espagnol signifie "réunion informelle", "se voir pour discuter". Le tableau représente quelques femmes qui lisent, fument et discutent entre elles dans une pièce.

Santos réalisa ce tableau au début des années 1900, lorsque "Sex and the City" était encore un futur lointain, et l'idée que les femmes se retrouvaient dans un bar pour discuter entre elles était une véritable absurdité. D'une part, il exprime la liberté de ces intellectuelles, d'autre part, l'atmosphère domestique indique l'interdiction de tenir des réunions en plein air, comme cela se produit par exemple dans la représentation, totalement masculine, de la "tertulia du Cafè de Pombo" de Solana.

Le tableau de Solana représente un groupe d'intellectuels espagnols lors d'une réunion informelle.

Les tonalités sombres, typiques de ce peintre, donnent à toute la scène une atmosphère exagérément solennelle, comme pour souligner l'importance du concile. L'homme debout au centre du tableau, est Ramón Gómez de la Serna, qui commanda l'œuvre au peintre. Ses compagnons sont certains des plus grands représentants du paysage intellectuel espagnol de l'époque, parmi lesquels : les écrivains Manuel Abril, Tomás Borrás et José Bergamín, le dessinateur José Cabrero et le poète Mauricio Bacarisse.

Daniel Vázquez Díaz a trouvé dans le cubisme un moyen particulier de s'exprimer, centré sur une utilisation très spécifique de la couleur.

Dans cette peinture, Vázquez Díaz utilise une combinaison de formes et de couleurs très harmonieuse, rendant les aspérités des images, très douces et relaxantes. C'est comme si sous la peinture, il y avait une douce onde, qui donne à tout le tableau une cadence sinueuse. Le peintre a réussi à donner une sorte de réverbération aux images, déplaçant la tortuosité du paysage, même aux maisons et aux sujets représentés dans le tableau.

Le tableau pourrait être inspiré de l'œuvre de Velazquez dans laquelle est représentée la Reine Marie d'Autriche.

Même les plus grands peuvent subir de vives déceptions, et ce fut justement le cas pour Picasso qui, ayant présenté la "Femme en Bleu" à l'Exposition des Beaux-Arts de Madrid, ne trouva non seulement pas d'acheteurs, mais fut également critiqué sévèrement. C'est l'un des tableaux du jeune Picasso qui appartient à sa "Période bleue". L'excentricité du peintre l'a amené à peindre une série d'œuvres avec de fortes tonalités de bleu, indice de la recherche qui l'aurait ensuite conduit à son style inimitable.

Mirò déteste la peinture conventionnelle, il a plusieurs fois déclaré vouloir littéralement "la tuer".

Dans "Homme à la pipe", cette aversion est mise en évidence par une représentation de la figure nettement dépourvue de détails descriptifs, presque spectrale et inquiétante. Mirò, qualifié par Breton de fondateur du surréalisme, le "plus surréaliste de tous nous", focalise son attention non sur l'objet en soi, mais sur la façon dont il est travaillé sur la toile. Il crée un univers propre de formes qui, dans un premier temps, perturbent le spectateur, qui se perd ensuite dans la reconnaissance de la réalité à laquelle les tableaux s'inspirent.

Pablo Gargallo est l'un des plus grands sculpteurs espagnols du XXe siècle, innovateur, mais aussi cultiveur de la tradition.

Gargallo a utilisé deux façons de sculpter très différentes l'une de l'autre. Certaines œuvres ont un style très proche du classique, tandis que dans d'autres, comme "Le Prophète", Gargallo adopte un style avant-gardiste, fracturant les espaces, et réalisant des sculptures qui impressionnent par le bel effet obtenu par la soustraction, qui laisse seulement le vide remplir les contours à peine esquissés. Sa lecture "inverse" de la réalité, où les parties concaves du corps humain se transforment en convexe, a fait de lui l'un des artistes espagnols les plus influents du siècle dernier.

Heures d'ouverture :

Lundi - samedi : 10h00 - 21h00
Dimanche : 10h00 - 14h30.
Fermé : chaque mardi, le 24, le 25 et le 31 décembre, le 1er et le 6 janvier, le 1er mai et le 9 novembre.

Entrée gratuite

Du lundi au samedi : 19h00 - 21h00
Dimanche et jours fériés : 12h30 - 14h30
Accès au musée jusqu'à 30 minutes avant la fermeture

Billet plein : 12 €.

Comment y arriver :

Métro : Ligne 1 station del Arte et Ligne 3 station Lavapiés.
Bus : 6, 10, 14, 19, 26, 27, 32, 34, 36, 37, 41, 45, 59, 85, 86, 102, 119, C1, C2 et E1.