El Museo de Orsay de París: obras, horarios de apertura y costo del billete

¿Qué hace una hermosa mujer desnuda con un aire desenfadado sentada en un prado junto a dos jóvenes burgueses, obviamente bien vestidos? No lo creerán, pero simplemente está desayunando. Cuando esta obra de Manet fue expuesta en el Salon des Refusés en 1863, causó mucho escándalo, no solo porque se consideró vulgar y de mal gusto, sino también por la modernidad de su estilo, colores y composición. Sin embargo, mientras todos quedaban atónitos ante tal osadía, esta mujer, sin vestiduras y con un aire casi burlón, desafiaba la opinión pública con una simple cesta de fruta apoyada en la hierba.

En esta obra, Renoir transforma la simple realidad cotidiana en un momento precioso y de feliz abandono. El Moulin de la Galette era un local muy concurrido en Montmartre donde se iba a bailar al aire libre, y Renoir retrata este momento de gran convivialidad con la máxima naturalidad. El dibujo, casi ausente, deja espacio a los colores que animan las figuras y las hacen cobrar vida. Parece que el pintor se inspiró en sus amigos para realizar los personajes, todos ocupados en hacer algo: algunos bailan, otros conversan y otros simplemente observan. Una orquesta de vidas, luces y colores, dirigida de manera magistral por uno de los mayores exponentes del Impresionismo.

Déjense absorber por los vórtices tormentosos y envolventes de la "Noche Estrellada" de Van Gogh, donde la oscuridad de la noche se posa sobre el paisaje subyacente, como queriendo esconder celosamente los secretos. El mundo fascinante y de cuento que Van Gogh quiere representar en esta obra, se ve interrumpido por la presencia oscura e inquietante del ciprés, una silueta imponente que preanuncia el incierto destino del ser humano. Todo habla de encanto en el lienzo, pero, mientras el pueblo descansa, el trazo del pintor se vuelve inquieto e irregular para capturar los tormentos de alma que de otro modo serían inalcanzables.

La incesante búsqueda de sí mismo llevó a Van Gogh a realizar muchos autorretratos, fuentes de dolor y de preguntas al espejo, de los cuales este es probablemente el más significativo.

El pintor terminó esta obra en septiembre de 1889 en el manicomio de Saint Remy, apenas se recuperó de una intensa crisis de locura que duró dos meses, durante la cual intentó suicidarse ingiriendo los colores. La expresión de su rostro parece calma, pero en sus ojos parece haber una chispa viva de locura que perfora e invade el alma de quien los observa. Parece casi que quiere convencer a sí mismo de su recuperada cordura, pero sabemos que no durará mucho.

La permanencia de Gauguin en Tahití durante un largo período de tiempo lo influenció fuertemente en la elección de sus temas. Las mujeres tahitianas retratadas en sus pinturas tienen un aire distendido y relajado que refleja el mundo paradisíaco y plácido de Polinesia. Gauguin eligió Tahití como lugar para evadirse de sus dificultades financieras y de todas las restricciones, y decidió dedicarse a la búsqueda de la belleza, inmortalizada en los movimientos cotidianos y aparentemente banales de estas mujeres. El pintor logra profundizar en el alma de estas mujeres con un aire ausente y a menudo distante y hace que su innegable encanto sea absolutamente arrollador.

Una perspectiva inestable la de Van Gogh en el retrato de su habitación en Arlés, un rincón de artista que el pintor quiso hacer lo más simple y acogedor posible con colores suaves y una decoración mínima.

¿Quién no querría encontrarse allí ahora, en esa habitación semivacía, con una cama de madera y dos sillas, donde, sin embargo, se han consumido genio y locura, talento y melancolía? Todos los tonos utilizados por el artista, el lila de las paredes, el amarillo cromo de las sillas y de la cama, el rojo apenas insinuado y pálido del suelo, hacen que esta obra sea única en su género y símbolo de una tranquilidad buscada durante mucho tiempo y probablemente nunca del todo encontrada.

Este famosísimo lienzo retrata a una joven con un parasol, Camille Monet, esposa del pintor, y su hijo Jean, mientras pasean entre los campos en un hermoso día de verano. Monet repite las figuras como un eco para crear la ilusión de una profundidad, último residuo de una perspectiva clásica. El ojo del observador será impactado por el resplandor rojo del prado en flor, por el movimiento flexible de la hierba acariciada por el viento y por la luz veraniega que difumina en el aire incluso los objetos más concretos, que parecen perderse en el verde de los árboles y el blanco de las nubes.

Una obra que causó escándalo, considerada incluso vulgar por el crudo realismo de los sujetos, la de Gustave Caillebotte.

Sin duda, Los parquettistas es un lienzo muy particular, donde las luces y las sombras se mezclan de manera excelente para resaltar el esfuerzo de estos hombres, muy evidente en los músculos tensos y rígidos de sus torsos desnudos, similares a los de los héroes antiguos. A pesar de las apariencias, esta obra no tiene ninguna connotación política; Caillebotte era un burgués acomodado que no tenía nada que denunciar contra el sistema capitalista.

Una imagen de siesta, de aparente tranquilidad, la retratada por Van Gogh en su obra "La Meridiana", y, sin embargo, un tormento parece ocultarse en el trazo evidentemente y habitualmente inquieto del artista. Este retrato se inspira en un dibujo que Millet había realizado para la serie "Las cuatro horas del Día" y Van Gogh quiso traducir las impresiones del claroscuro en blanco y negro, en otras sensaciones regaladas por colores más claros y suaves. Si consideramos que el pintor realizó esta obra en el manicomio de Saint - Remy, podríamos decir que por un instante se liberó de la penumbra para dar lugar a una luz dorada.

Juegos de miradas, de manos entrelazadas y, sobre todo, de sombras, esas retratadas por Friant a lo largo de los cuerpos de esta joven pareja. La ropa es austera y solo deja suponer los cuerpos esbeltos, pero lo que más comunica son las miradas y las sombras impresas en la pared, que parecen tener un alma propia, independiente de la de los protagonistas oficiales de la escena: mientras él parece pedirle perdón recibiendo a cambio solo reticencia, detrás de ellos las sombras parecen estar ya reconciliándose, porque el rostro de la mujer no parece estar más girado hacia el lado opuesto, sino dirigido hacia el de su amante. ¿Serán sombras perspicaces?

Horarios de apertura:

• De martes a domingo: 9:30 - 18. Última entrada a las 17, último acceso a las exposiciones a las 17:15, cierre de salas a partir de las 17:30

• Apertura nocturna: los jueves hasta las 21:45. Último acceso al museo y a las exposiciones a las 21:00, cierre de salas a partir de las 21:30

• Cerrado: lunes, 1 de mayo y 25 de diciembre

Costo del boleto: General 14 €. Reducido: € 11.

Cómo llegar:

Metro: línea 12, parada Solférino
RER: línea C, parada Musée d'Orsay
Bus: 63, 68, 69, 73, 83, 84, 87, 94
Taxi: parada de taxis y vehículos especiales en el Quai Anatole-France